Massimo Balestrini est un artiste qui explore depuis des années diverses formes d'expression et divers supports, alternant entre la peinture, le dessin, le traitement numérique de l'image et, plus récemment, l'intelligence artificielle.
Ses recherches naissent à la croisée de la formation artistique et des compétences informatiques. Dans ce domaine hybride, la pratique manuelle entre en dialogue avec les processus technologiques, et l’image devient un lieu de transition, de mémoire et de transformation constante.
Référence ColorEdge
Massimo Balestrini
L'artiste et enseignant est convaincu de la précision et de la fidélité des couleurs du ColorEdge.
Son travail s'articule autour de la stratification visuelle, de l'imaginaire collectif et de la pérennité des images au fil du temps. Photographies, fragments de culture populaire, signes iconographiques, traces numériques, archives visuelles et systèmes génératifs interagissent au sein d’un processus ouvert, dans lequel l’œuvre ne se présente jamais sous une forme définitive, mais comme une surface instable, traversée par des sédiments, des interférences et des réapparitions.
Un aspect central de sa recherche concerne le passage de l’image numérique à la présence physique de l’œuvre. L’impression, la couleur, le support, la lumière et la gestion des couleurs deviennent des éléments déterminants de cette transition. Lors du transfert de l’écran vers la surface physique, l’image change d’état : elle perd son immatérialité apparente et gagne en corporéité, en profondeur et en résistance. À ce seuil entre données numériques et présence picturale, Balestrini explore les possibilités de perception des œuvres d’art contemporaines.
Parallèlement à sa pratique artistique, Balestrini enseigne avec engagement à l’Académie des Beaux-Arts de Vérone, où il dispense des cours de peinture et de traitement numérique de l’image. Dans ce cadre, il initie les étudiants à une utilisation consciente des outils numériques et professionnels, non seulement en tant qu’outils opérationnels, mais aussi en tant que langages actifs capables de pénétrer au cœur du processus créatif.
Il a par ailleurs mené des projets en collaboration avec l’Université de Milan, axés sur la recherche en intelligence artificielle et sur l’interface entre l’art, les technologies numériques et diverses disciplines.
Son œuvre se situe ainsi à la croisée des chemins : entre peinture et numérique, entre mémoire individuelle et imagination collective, entre matière et algorithme. Une pratique dans laquelle l’image n’est pas simplement produite, mais continuellement traversée, réécrite et remise en question.
Qu'est-ce qui est important pour vous lorsque vous créez des œuvres ?
Pour moi, une œuvre ne naît jamais d’un seul geste, ni même d’un seul langage. Elle naît plutôt d’une série de points de convergence : des images que je collectionne, des souvenirs personnels et collectifs, des références à la culture populaire, la photographie, la peinture, l’impression numérique et, ces dernières années, même les systèmes d’intelligence artificielle. Ce qui m’intéresse, c’est le moment où ces matériaux cessent d’être des éléments distincts et commencent à créer une tension visuelle.
Le problème, si l’on peut l’appeler ainsi, consiste à maintenir un rapport ouvert entre le contrôle et l’imprévu. La technologie numérique permet une précision extraordinaire, mais le risque est que tout devienne trop fermé, trop lisse. La peinture, en revanche, met en jeu le temps, le corps, l’erreur et la surface. Mon travail cherche un équilibre entre ces deux pôles : d’une part, la construction de l’image par le code, le collage, la génération et l’impression ; d’autre part, le besoin de redonner à l’image une présence physique, matérielle et complexe.
Ainsi, lorsque je travaille de manière créative, je ne recherche pas simplement une belle image : je recherche une image qui porte en elle un souvenir, qui conserve les traces de son processus de création et qui laisse au spectateur la possibilité de pénétrer dans un univers qui n’est pas entièrement défini.
Pourquoi avez-vous choisi ColorEdge ?
Dans mon travail, la gestion des couleurs n’est pas un simple détail technique, mais fait partie intégrante du processus créatif. De nombreuses œuvres passent par plusieurs étapes : traitement numérique, épreuves, retouches, nouvelles prises de vue ou documentation photographique, et souvent d’autres retouches. Si l’écran n’est pas fiable au cours de ce processus, l’identité de l’image ne cesse de changer. Il y a alors un risque que ce que je vois à l’écran ne corresponde pas à l’impression, ce qui conduit à des décisions visuelles moins précises par la suite.
Je travaille avec des écrans EIZO depuis plus de vingt ans, car j’ai besoin d’un outil stable, fiable et professionnel pour le traitement d’images. Il ne s’agit pas seulement pour moi d’obtenir une image lumineuse ou attrayante, mais aussi de pouvoir évaluer correctement les transitions de tons, les ombres, les couleurs dominantes et les différences entre des zones très proches les unes des autres. Pour un artiste qui allie technique numérique et peinture, cette précision est essentielle : elle permet de prendre des décisions plus éclairées avant l’impression ou avant toute intervention manuelle.
En ce sens, l’écran n’est pas pour moi un élément distinct du travail, mais fait partie intégrante de la chaîne créative. C’est le point où l’image numérique est observée, vérifiée et préparée à devenir matière.
Parlez-nous de votre expérience avec les écrans ColorEdge.
L'expérience la plus importante réside dans la possibilité de travailler avec une référence visuelle constante. Lorsque l'on travaille sur des images complexes et riches en nuances, un contrôle général des couleurs ne suffit pas. Il faut être capable de détecter les micro-écarts, de déterminer si une transition est trop étroite, si une couleur dominante altère l’atmosphère, ou si une zone doit rester en retrait ou se démarquer davantage.
Dans mon processus de travail, le moniteur ColorEdge joue un rôle clé. Au cours des phases de vérification et de prise de décision, je m’en sers pour contrôler l’image avant l’impression, évaluer le rapport entre les éléments générés numériquement et les interventions picturales, et préserver la cohérence entre ce qui se passe à l’écran et ce qui deviendra ensuite un support physique. Cela revêt une importance particulière lorsque l’œuvre combine peinture, photographie, impression numérique et images générées ou transformées par l’intelligence artificielle.
La précision de l’écran m’aide également dans mon enseignement. À l’Académie des Beaux-Arts de Vérone, j’enseigne la peinture et le traitement numérique de l’image, et je coordonne le cursus de trois ans intitulé « Nouvelles technologies artistiques ». Avec les étudiants, il ne s’agit pas seulement d’apprendre à utiliser des logiciels, mais de comprendre l’ensemble du processus de création d’images : l’étalonnage, la couleur, l’impression et la relation entre le traitement numérique de l’image et l’intervention manuelle. En ce sens, les outils professionnels nous permettent de montrer concrètement que la qualité de l’image dépend de décisions mûrement réfléchies tout au long du processus.
Quel message souhaitez-vous adresser aux jeunes artistes ?
Je vous conseillerais de ne pas dissocier trop hâtivement la technologie et l'imagination. Tout outil, même le plus sophistiqué, reste inutile s’il ne sert qu’à produire des effets. En même temps, il ne faut pas avoir peur de la technologie : le numérique, l’impression, l’intelligence artificielle et la gestion des couleurs peuvent devenir des terrains d’exploration authentiques si l’on s’y approche en toute conscience.
Je conseillerais à un jeune artiste de maîtriser parfaitement ses outils, mais de ne jamais s’identifier à eux. Il est important de maîtriser la technique, de calibrer un écran, de comprendre les couleurs et de savoir ce qui se passe lorsqu’une image passe de l’affichage à l’écran à l’impression. Tout cela doit toutefois servir à développer une perspective personnelle.
L’art naît souvent dans une zone de friction : entre le contrôle et l’inattendu, entre le souvenir et l’invention, entre l’image mentale et la matière. Les outils professionnels aident à clarifier cette transition, mais la tâche de l’artiste reste de donner du sens aux images et non de se contenter de les produire.
CONCLUSION
Dans l’œuvre de Balestrini, la précision chromatique s’inscrit dans un processus plus vaste où la peinture, l’impression numérique, la mémoire visuelle et les nouvelles technologies interagissent en permanence. C’est précisément dans cette transition entre l’image immatérielle et l’œuvre physique que des outils tels que les écrans ColorEdge d’EIZO jouent leur rôle le plus important : ils aident l’artiste à mieux percevoir ce qu’il est en train de créer.
